GUIÓN PARA LAS ETIQUETAS
Cuando introduzcáis vuestro reportaje, entrevista, etc. tenéis que indicar dos etiquetas. La primera que especifique el sector cultural en el que os habéis centrado y la segunda que indique el contenido que habéis analizado.

1. ETIQUETA PARA EL SECTOR CULTURAL:
Patrimonio, museos, archivos, bibliotecas, libro, periódicos y revistas, artes plásticas, artes escénicas, cine, video, música grabada, televisión, radio, fundaciones u otras instituciones culturales.

2. ETIQUETA PARA EL CONTENIDO:
Sector, estrategia competitiva o estrategia corporativa

domingo, 12 de diciembre de 2010

Cultura entre fogones



En las cocinas de los conventos y los palacios se gestará lenta -como en las alcobas lo otro-, el mestizaje que cristalizaría la opulenta singularidad de la cocina mexicana.

Salvador Novo

Ante las diferentes opiniones respecto a si la gastronomía debe considerarse y valorarse en el mismo nivel, en el que se valora una obra de arte estampada en un lienzo, una escultura, una representación teatral o una composición musical, debo señalar que mi postura ya conocida, es rotundamente positiva.

Dejando de lado la cuestión respecto a lo que se “debe” y no se “debe” considerar como arte dentro de los estándares sociales, lo que me interesa es al menos sembrar la curiosidad por investigar la injerencia e impacto de las costumbres alimenticias en la vida cultural de cada uno de nosotros.

Tal vez podemos empezar a pensar en lo que comemos cada día y sobre todo la forma en que lo hacemos. En este mundo, -y en esta ciudad- de prisas, compromisos, actividades culturales y sociales que llenan nuestras agendas, lo más fácil para estar siempre en todos lados y cumplir con todo, es comer lo primero que nos encontremos, lo que nos dé tiempo o lo que pueda nuestro bolsillo, olvidándonos así de lo agradable que es disfrutar cada bocado, sobre todo si lo acompañas con un vino y una buena compañía.

Buscamos nuevas ideas, creamos nuevos proyectos, unimos misiones, visiones y valores queremos crecer como personas y como profesionistas, estudiamos, trabajamos, corremos de un lado pensando en mil cosas al mismo tiempo, y cuando tenemos una sensación de hambre pensamos que hay prioridades que resolver porque la comida, puede esperar. Y no digo que la comida deba ser un ritual que tiene que cumplirse cada día a las 15:00 horas con un mantel almidonado frente a una mesa redonda en compañía de la familia entera, simplemente, disfrutarse y conocer un poco más de lo que nos mantiene en pie cada día.

Como es sabido, los mexicanos podemos viajar por cualquier lugar del mundo, podemos estar meses, años y toda la vida, fuera de nuestro país sea cual sea la razón, sin embargo, es complicado encontrar a aquel no lleve consigo algo para preparar un platillo típico, algo para regalar a los nuevos amigos, o simplemente para sentarse en algún lugar del mundo a disfrutar un dulce (picante o no) evocando entre cada mordida, un paisaje, un aroma, una melodía, una imagen, una textura, una compañía, un recuerdo de su cultura que lo sigue a donde quiera que va.

En este sentido, para mi es indudable que la gastronomía de un país forma parte de su cultura aun sin saberlo. Y no hablo de los alimentos que compramos en el supermercado, cuando lo alcanzamos abierto antes de llegar a casa, que después de 5 minutos en el horno están listos, no. Como en todo en la vida, tenemos que ver un poco más allá de lo evidente, lo cual en estos tiempos es necesario y posible si usamos las herramientas que tenemos a nuestro alcance, como lo es en este caso, la gastronomía, la gastrosofía o de la Fisiología del gusto.

Por lo que hace a la gastronomía, esta ha sido definida por la Real Academia Española como “El Arte de preparar una buena comida”, gastrofobia es la ciencia de los apetitos, los gozos y los sentimientos, en donde se fusiona el conocimiento culinario con el placer por la comida, la bebida, el erotismo, la música y las costumbres. Por su parte “La Fisiología del gusto” es una obra publicada en 1825, por Jean Anthelme Brillat-Savarin, jurista francés, autor de múltiples premisas como estas:


“El que recibe a sus amigos y no presta ningún cuidado personal a la comida que ha sido preparada, no merece tener amigos.”


“Aguardar demasiado a un convidado es una falta de consideración para los que están presentes.”


“Aquellos que padecen una indigestión o una borrachera no saben lo que es comer ni lo que es beber.”

Así, tomando en consideración la idea de que hablar con un léxico poco popular nos da estilo, podemos indagar un poco en las raíces de lo que ahora venimos llamando simplemente “cocina” y después hablar un poco de novelle cuisine y de su ya existente remplazo, la cocina postmoderna, cocina molecular o la cocina tecnoemocional, que sin emitir un juicio sobre los ingredientes y métodos que se utilizan, definitivamente son resultado del ambiente, cultural, económico, social y político en el que se conciben, basta citar algunas de las 10 reglas de la denominada tecnoemocional:


1. La cocina es un lenguaje con el que el cocinero quiere expresarse. El cocinero crea para sí mismo, aunque su deseo es el de compartir su obra y que su público la aprecie.


2. El cocinero asume riesgos: sabe que su propuesta puede no ser comprendida. Los riesgos tecnoemocionales son mayores que en otros movimientos culinarios.


3. El hecho culinario supera lo físico, los sentidos, y se dirige a lo emocional y a lo intelectual. Hay un placer intelectual que se expresa con el humor, con la provocación, con la reflexión...


4 .Se entiende la cocina como una forma de vida. El restaurante no es, simplemente, un negocio.

Si lo relevante para algunos es relacionar de manera concreta la injerencia de los alimentos con una obra de arte en específico, podemos hablar de “La última cena” encargo de Ludovico Sforza a Leonardo Da Vinci, de la cual se señala que el Duque le envía a pintar el muaral al convento dominico de Santa Maria delle Grazie, en Milán el prior del convento, desesperado de las extravagancias de Leonardo, escribe a Ludovico estas palabras:


«… insiste en que se prueben todos los vinos hasta dar con el adecuado para su obra maestra…, y dispone a su antojo de nuestras cocinas día y noche.., y luego, dos veces al día, hace sentarse a sus discípulos y sirvientes para comer de todas ellas. Mi señor, os ruego que deís prisa al maestro, amenaza con dejarnos en la ruina.»

Aunado a lo anterior y ante la conocida afición del artista por la cocina, podemos remontarnos a 1420 aproximadamente, cuando Leonardo da Vinci, escribió múltiples recetas de cocina y buenas maneras en la mesa, plasmadas en el Codex Romanoff, en donde podemos encontrar además de los inventos de instrumentos de cocina como el moledor de ajos, alguna cita como esta:


“El pan y la carne I:

Me he puesto a pensar en tomar un trozo de pan y colocarlo entre dos pedazos de carne, mas ¿cómo deberé llamar este plato?


El pan y la carne II:

¿Y si dispusiera la carne entre dos trozos de pan?


El pan y la carne III:

(…) La rebanada de carrillo de buey deberá ir entre sendos pedazos de pan y no al revés. Será un plato como no se ha visto nunca antes en la mesa de mi señor Ludovico Sforza. Ciertamente, se podría disponer toda suerte de cosas entre los panes: ubres, testículos, orejas, rabos, hígados. Los comensales no podrán observar el contenido al entrarle con sus cuchillos. Lo llamaré, por esta razón, pan con sorpresa”.

En este mismo sentido, podemos encontrar en el libro de Lev Tolstoi, ¿Qué es el arte?, la referencia que hace a la obra Belleza universal, ensayo de una estética general del escritor y filósofo austriaco Kralik Richard Caballero de Meyrswalden, quien señala que las artes de acuerdo a los sentidos subjetivos se dividen en; el arte del sentido del gusto, del tacto, del olfato, del oído y de la vista. Por lo que hace al arte del sentido del gusto, refiere:


“Suele pensarse que el material artístico solo puede ser tratado por dos o como mucho tres de los sentidos, pero en mi opinión eso no es el del todo cierto. No puedo dejar de reconocer que, en un sentido general, la cocina, por ejemplo, es un arte.


Sin duda, debemos hablar de éxito estético cuando el arte culinario consigue transformándose el cadáver de un animal en algo agradable al sentido del gusto. Así pues el principio básico del arte del sentido del gusto (al que en adelante nos referiremos como arte culinario) es el siguiente: -todo lo que es comestible debe tratarse como imagen sensorial de una idea dada y, en cada caso, debe corresponder a la idea que quiere expresarse”.

Por lo que hace a la comida tradicional mexicana, no es casualidad que la UNESCO la haya declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en meses recientes, junto con la cocina gastronómica francesa y la dieta mediterránea. Para admitir la inscripción, la Organización tomó en cuenta los siguientes criterios:

  • · La cocina tradicional mexicana es un elemento fundamental de la identidad cultural de las comunidades que la practican y transmiten de generación en generación.
  • · Su inscripción en la Lista Representativa podrá incrementar la notoriedad del patrimonio cultural inmaterial y fomentar el respeto de la diversidad cultural y la creatividad humana.
  • · Las medidas de salvaguardia aplicadas actualmente, así como las previstas para el futuro, comprenden la realización de consultas y proyectos de investigación, así como una formación práctica, con el apoyo del Estado y las comunidades interesadas.
  • · Los que practican esta tradición culinaria han participado activamente en el proceso de preparación de la candidatura y han otorgado su consentimiento libre, previo y con conocimiento de causa.
  • · La cocina tradicional mexicana está incluida en el Inventario del Patrimonio Cultural Inmaterial de México administrado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

En concordancia con lo señalado por la UNESCO, mi postura al señalar la integración de los alimentos como parte de la cultura, se basa en específico en la cocina tradicional de un país, en la manera de preparación, en el origen, importancia y significado de los ingredientes, en el esfuerzo de quien lo cosecha y lo siembra, los pasos que se deben seguir para cocinarlos y que se trasmiten de generación en generación, la época y el ambiente social, político, económico y cultural en el que se originan, se desarrollan y la lucha que puede darse para su mantenimiento y defensa.

En este punto, me parece oportuno referir lo que Mónica Lavín y Ana Benítez Muro, señalan en el libro Sor Juana en la cocina, lo siguiente:


“Si la cocina mexicana es exaltación del maridaje cultural y geográfico, la dulcería lo ostenta de manera muy clara: sin la caña de azúcar que los europeos trajeron a América, que a su vez los árabes habían introducido a territorio ibérico desde la India, no hubiera sido posible obtener el azúcar, cuyo modo de extracción también era técnica árabe. El azúcar es el ingrediente primerísimo de la dulcería y del carácter de esa palabra”.

Es por el cariño y el gusto (evidente) que le tengo a la comida tradicional mexicana que mis planes personales y profesionales se integran con los de un plan de empresa, a mediano y largo plazo en donde pueda dar a conocer la cultura de mi país, a través de la exposición y comercialización de bienes y obras en donde se integren la artes visuales, escénicas y culinarias, pero sobre todo con el objetivo de trasmitir esos conocimientos que dan como resultado una pintura, una fotografía o un platillo realizado con elementos culturales propios.

Y estando en Madrid, pensé haber encontrado un Centro con intereses compatibles con los míos, y por recomendación de mi vecina de pupitre en las clases del Máster, me enteré de Casa Palacio Atocha 34, que desde su página web señala que “Casa Palacio Atocha 34 cuenta con un innovador replanteamiento de espacios y se configura como un lugar singular donde explorar las nuevas propuestas gastronómicas, enológicas y culturales. Es un espacio que alberga servicios cualitativos de restauración, cultura y ocio. Pretende entroncar las nuevas tendencias en el campo de la gastronomía, la restauración, la enología y los servicios personalizados… Casa Palacio no es sólo un conjunto de restaurantes, aunque la restauración constituya un elemento esencial del mismo.”.

En días próximos podré visitarlo para conocer a fondo sus actividades y podré decir con más conocimiento si podría considerarlo como un centro donde confluyan las artes y la gastronomía, hasta ahora puedo decir que en la página de internet no se señalan más actividades de catas, promoción de los menús de sus restaurantes (desde 21 o 35 euros) y poco sobre el tipo de comida y las obras que están expuestas en los múltiples salones y terrazas, y hasta cuentan con un centro denominado “Arte y movimiento” en donde un bailarín profesional italiano imparte la técnica de Body Cose System en un salón equipado para ello en donde 2 clases al mes tienen un costo de 135 euros. De accesibilidad a la cultura, parece que poca.

Mientras se desarrolla el máster, (y debe ser, posteriormente, también) continuaré investigando y recopilando información y nuevas ideas sobre el tema, con el objetivo de que en un futuro próximo, cuando a una persona se le pregunte si la cocina tradicional de una región puede ser considerada como cultural, no dude en decir que sí.

Y claro, la recomendación final, mientras comemos ya sea en 10, 30 o 60 minutos los más afortunados, vamos a disfrutarlo un poco más y pensar un poco más en el significado de los ingredientes, del platillo, y de lo importante que es compartir.


“Si Aristóteles hubiera guisado, mucho más hubiera escrito”

Sor Juana Inés de la Cruz


Paginas relacionadas

http://www.casapalacioatocha34.es/2010/index.php

http://www.unesco.org/culture/ich/index.php?lg=es&pg=00011&RL=00400

http://www.ccgm.mx/CCGM/Quienes_Somos.html

http://www.culinariamexicana.com.mx/

http://slowfood.es/

Patricia Hernández Vergara

UN PROFESOR SE IMPLANTARÁ UNA CÁMARA EN LA CABEZA PARA CREAR UNA OBRA DE ARTE

EFE / NUEVA YORK

Día 17/11/2010 - 12.47h

"El artista y profesor de fotografía de la Universidad de Nueva York, Wafaa Bilal, se implantará una cámara en la parte posterior de la cabeza para crear su última obra de arte, «The 3rd I (El tercer ojo)», que se expondrá en el Museo Árabe de Arte Moderno de Qatar a partir del próximo 15 de diciembre.





El profesor se someterá a una cirugía para que se le instale el dispositivo y durante todo un año enviará minuto a minuto imágenes en tiempo real al museo qatarí, donde unos monitores mostrarán a los visitantes lo que ven los peculiares ojos traseros de Bilal, según informa en su edición digital «The Wall Street Journal». El artista de origen iraquí será operado en las próximas semanas para que se le implante un diminuto dispositivo que tendrá la apariencia de un piercing, según fuentes cercanas a Bilal citadas por el diario. «The 3rd I» busca hacer «una reflexión sobre la inaccesibilidad del tiempo y la incapacidad de capturar la memoria y la experiencia», según documentos del Museo Árabe de Arte Moderno de Qatar de los que se hace eco «The Wall Street Journal» "


Después de la lectura de este artículo no puedo dejar de preguntarme dos cosas:

1. ¿Hasta dónde nos puede llevar la búsqueda de una ventaja competitiva de un proyecto que ofrecemos al público?

2. ¿Dónde está el límite de nuestra conducta para obtener un valor que haga nuestra obra única?

Si ninguna duda, la idea de instalarse un dispositivo en la cabeza para realizar una obra de arte es muy novedosa y es difícil que pueda repetirse (réplica). Estas características hacen que el proyecto sea muy destacado y diferente de los demás, con lo que obtiene una gran ventaja en diferenciación. Sin embargo, aunque el proyecto es muy original, la manera de crear la obra puede causar en el espectador un cierto rechazo en vez de valorarlo.

A pesar de la ventaja competitiva de esta manifestación artística creo que la obra no va a gozar de popularidad y su difusión va ser muy complicada por la carencia de interés del público. El rechazo causado por la manera de crear la obra puede convertirse en una amenaza para el proyecto.

El artista para generar algo único se basa en el impacto al público y causa gran polémica, sin embargo, en mi opinión el valor artístico (e incluso estético) de la obra es más bien escaso. Esta forma de crear tendrá mucha repercusión, pero en realidad tal repercusión se deberá más a lo impactante del método utilizado por el artista, que al propio valor de la obra.

Ahora bien, qué duda cabe que si la finalidad perseguida es exclusivamente atraer al público y generar negocio a corto plazo a través de la polémica, la estrategia utilizada es muy eficaz.

Por otro lado, el artista está trabajando con su reputación (el requisito intangible) pero si será buena o mala es algo que cada uno debe decidir.

«Un festival lleno de nuevas miradas; lleno de amor y de furia»

Ante la crisis de identidad (y económica) que muchos festivales parecen arrastrar, el Festival Internacional de Cine de Gijuna clara alternativa con una definida personalidad. de Gijstrar. Y ante los probleón (FICXixón) se consolida como una claro ejemplo de festival marcado por una definida personalidad.

El festival se remonta al año 1963, año en el que surgió como una iniciativa del Ayuntamiento de Gijón. El nombre del festival ha cambiado a medida que ha ido consolidando su personalidad. Inicialmente recibió el nombre de Certamen Internacional de Cine y TV Infantil. Entre 1977 y 1987 utilizó el nombre de Certamen Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud. Para en 1988 llegar al actual: Festival Internacional de Cine de Gijón (AKA: FICXixón).

Estos cambios de nombre nos acercan a su misión. El festival tiene una clara identidad desde su creación, es un festival que muestra un especial interés en el público más joven y que apuesta por un cine diferente. De hecho todos los años hay un jurado compuesto por jóvenes entre 17 y 25 años, que se selecciona entre aquellos que lo solicitan. La alcaldesa de Gijón Paz Fernández Felgueroso ha defendida el carácter vanguardista y abierto de este certamen. En sus palabras el Festival de cine de Gijón se ha convertido: “en el gran referente del cine alternativo, de ese otro cine que se aleja de estándares más comerciales”, un festival de “arriesgadas y honestas propuestas cinematográficas”. “El Festival tiene personalidad propia, y esa se parece y mucho a la de los gijoneses, que sin complejos apuestan por reivindicar lo original, lo único y lo verdadero”.

Por otra parte aparece rápidamente una clara búsqueda: la de ampliar su ámbito de influencia, llegar cada vez a más gente. La meta del festival enraíza con su personalidad inconformista, un inconformismo que no pierde de vista sus referentes identitarios y que, sin duda guiado por estos, trata de embaucar cada vez más a un público lo más heterogéneo posible.

Esta personalidad juvenil, contemporánea, arriesgada, reivindicadora de lo original y anclada en lo local (en la identidad de los gijoneses) confiere al festival una clara ventaja competitiva dentro del sector. En palabras de su director: “Los festivales están enraizados en la ciudad donde se celebran; por tanto, cada certamen debe tener una personalidad muy propia acorde con el lugar en el que se encuentra”.

El Festival de Gijón apuesta por película distintas, agresivas o al menos diferentes; por cineastas que son unos verdaderos francotiradores que hacen un cine de guerrilla con muy pocos medios; por lo nuevo que se está haciendo ahora en cine. Algo de lo que parece alejarse poco a poco Sundance, meca del cine independiente estadounidense, donde la importante presencia de ejecutivos de las majors de Hollywood confiere cada vez un menor espacio a los cineastas indies. Gijón siempre ha mezclado en exitoso equilibrio sus propias apuestas con las sorpresas que ha ido pescando en diversos festivales, quizá con la ventaja de tener que soportar el peso de una industria menos voraz que la americana a sus espaldas.

Es un festival de cine independiente, diferente o alternativo (como tantos otros) pero es mucho más que eso en sus intangibles, en su búsqueda por ser representativo de una manera de ver el mundo.



http://www.elpais.com/articulo/cultura/Sundance/quiere/parecerse/Gijon/elpepucul/20101119elpepucul_6/Tes

http://www.elpais.com/articulo/cultura/dias/arriesgado/vanguardista/cine/independiente/Gijon/elpepucul/20101111elpepucul_15/Tes

http://www.publico.es/culturas/347292/gijon-apuesta-por-el-cine-espanol-de-autor

http://mas.lne.es/gijonfilmfestival/noticias/este-certamen-heterogeneo-parece-solo-liberarse-prejuicios/15.html

http://www.lne.es/tv-espectaculos/2010/11/12/certamen-heterogeneo-parece/993540.html

http://www.notasdecine.es/1237/festivales/entrevista-con-el-director-del-festival-de-cine-de-gijon-fic/

http://www.gijonfilmfestival.com


Salud discográfica, por Alfonso Martín.

Llevamos no poco tiempo escuchando como el sector discográfico, al igual que el cine español, está herido gravemente, y de tanto que nos lo repiten a uno le da por pensar a cerca de las causas del daño mortal, y de los movimientos que se están realizando para salvar el barco, para conseguir, si no una solución definitiva, (lo cual parece bastante improbable) un giro en el sector, en el modelo de negocio.

Remontándonos unos años en el tiempo, concretamente a 1999, nació la que se ha dado en considerar la bestia negra del sector, el “monstruo” de las discográficas, Napster. Daba comienzo, seguramente sin pretenderlo, el principio de una de las tecnologías más revolucionarias, “el juguete preferido por los internautas”, y al tiempo en que crecía la popularidad del programa, lo hacían los recelos del mercado discográfico. En el momento de su cierre, Napster contaba con más de 60 millones de suscriptores que no dudaron en continuar con otros servicios de intercambio de música. Da la sensación de que la industria se ha centrado tanto en contraatacar al problema, que no atiende a tratar al enfermo de ningún modo. Promusicae achaca el "hundimiento" del sector a la crisis económica y, sobre todo, a la "impunidad" del intercambio ilegal de archivos musicales. Mientras, del otro lado contamos con testimonios de protagonistas como el compositor Björn Hartmann: "Se habla mucho de la batalla judicial de la industria musical contra el intercambio de archivos, pero no se presta atención al idilio entre sellos independientes y ciberespacio", lo cual nos abre los ojos y nos muestra el panorama actual. Pongamos los datos sobre la mesa:

· De los 77 millones de euros de ventas de discos durante los primeros meses de 2010, 57,1 millones corresponden al mercado físico frente a los 72,4 millones de euros vendidos en CDs y otros soportes en el primer semestre de 2009, lo que representa una caída en la venta tradicional de la industria discográfica superior al 21%.

· Por su parte, las ventas digitales de este semestre han superado los 19,8 millones de euros, el 29,5% más que en el mismo periodo del año pasado que alcanzaron los 15,3 millones de euros.

Fuente: EFE /Promusicae.

Hay determinados factores externos a tener en cuenta a la hora de analizar este sector, sobretodo cuando estamos hablando de una guerra abierta entre formatos. Sabemos de la importancia de factores tecnológicos como el acceso a Internet. Han aumentado las conexiones de banda ancha debido en buena medida al atractivo de los contenidos digitales que se ofrecen en Internet, sean o no legales. Pero la venta ilegal de música por Internet empieza a disminuir a medida que aparecen nuevas opciones legales para la compra online. Un estudio del Online Music in Europe muestra que el 36% de los consumidores de música ilegal en Internet están dispuestos a comprarla a un precio razonable, lo que nos lleva a pensar como dicho factor puede ser aprovechado en una estrategia competitiva, ya que eliminamos intermediarios, facilitamos la búsqueda y ofertamos a precios reducidos.

Como bien indican los economistas Shapiro y Varian, la digitalización de la música y su distribución desligada de soportes físicos han hecho de ella un producto basado en la información. Podemos comprobar como ha surgido una nueva dinámica estratégica o competitiva en el sector a raíz del ascenso de la digitalización de la música y el desarrollo de Internet como canal de distribución. Analizando el proceso comprobamos como la mayor parte de los costes fijos se originan no tanto en la producción física, que gracias a las nuevas tecnologías es cada vez más eficiente, sino en la comercialización. Antes de que se popularizase el uso de redes P2P, la composición de los costes y el precio de los productos musicales se establecía más en función de la propensión a pagar de los consumidores que en función de la estructura real de costes.

De igual modo cabe mencionar la particular sustituibilidad del producto, ya que la decisión de compra de música se basa más en los gustos del consumidor que en el precio cuando hablamos del formato físico, mientras que con la distribución digital lo que se hace sustituible es el formato en sí. En este caso el precio se convierte en la verdadera diferenciación, en la ventaja competitiva, que además de ofrecer un producto similar elimina los canales intermedios de distribución con la consecuente reducción de costes.

En lo referente a las amenazas cabe destacar las barreras de entrada, donde el acceso a canales de distribución y a economías de escala juega un papel importante en el modelo de negocio del sector. Con el formato físico resulta evidente la relevancia de contar con una infraestructura y una logística potente, de lo que resolvemos que para tener cierta ventaja se necesita de una economía de escala óptima, lo que supone una barrera realmente fuerte para posibles competidores. Sin embargo, el formato digital no necesita hacer malabares con todos esos elementos, pues son asumidos o reducidos a su mínima expresión.

Otra barrera a destacar es el desembolso o inversión en marketing y publicidad, asumible únicamente por las grandes empresas del sector. No obstante, Internet ofrece nuevas posibilidades y fórmulas de promoción más baratas y rápidas que bien utilizadas dan unos resultados similares a los medios tradicionales de difusión.

Si tratamos el poder de negociación de los distintos agentes o personajes del sector, este varía dependiendo del instante de la relación. En un principio es lógico que autores, artistas y managers dependan de las discográficas para hacerse un hueco en este mundo, con lo que su poder de negociación es reducido. Diferente es cuando se han fabricado un nombre y cuentan con más posibilidades de decisión sobre su futuro. En cuanto al poder de negociación ante los clientes diferenciemos el trato con los mayoristas, las tiendas tradicionales y las grandes superficies, que adquieren poder según el volumen de negocio que realicen. Otro caso es la relación con el cliente de formato digital, que con el cambio en el modelo de negocio y la venta de música se ha convertido en un canal para llegar al consumidor final con gran crecimiento. Estos clientes cada día adquieren más poder sobre las empresas.

Los cambios en el sector, su digitalización creciente, la disminución de las barreras de entrada en este formato, los avances tecnológicos y la reducción de costes hacen que las empresas o sellos independientes vayan en aumento frente a las grandes discográficas que han copado el sector tradicionalmente. Parece que asistimos al nacimiento de un nuevo ciclo de vida en el que las empresas optarán por ofrecernos nuevos productos y servicios a la altura de la demanda.

Este es un sector claramente internacionalizado, y en el que deberíamos atender a nuevas formas o modelos de negocio. Esto no quiere decir que estemos hablando del fin de las discográficas, sino de la coexistencia con oportunidades emergentes (en paralelo a la situación del sector editorial y el libro electrónico). Podemos concluir que la salud renqueante del sector discográfico va en dirección a la autodestrucción mientras no comience a moverse, a vincularse a las nuevas tendencias, a ser parte activa de las tecnologías y buscar nuevas oportunidades, nuevas ventajas competitivas, porque si es cierto que la industria musical no pasa por su mejor momento, la música en sí continúa haciendo gala de una salud de hierro. Seguramente la competencia estará basada en la obtención de economías de escala y en la explotación de nuevos mercados, sin olvidarnos de aquellas empresas especialistas que sepan aprovechar nichos de mercado territoriales o de estilo musical.

Proyecto Rede Nasa: La ruptura virtual de la cuarta pared

¿Qué es la NASA?

La Nave de Servizos Artísticos (NASA), situada en Santiago de Compostela, es un espacio cultural que funciona desde 1992 como centro de recursos artísticos para creadores. Sus impulsores son los miembros de Chévere, una productora formada por artistas dedicados fundamentalmente a experimentar en el ámbito teatral y audiovisual que, además de utilizar la sala en calidad de residentes para representar sus propios espectáculos, se encargan de su gestión.

La NASA se ha concebido desde sus inicios como una iniciativa “privada, abierta e independente” y, en la actualidad, su administración sigue en manos de miembros de Chévere y otros artistas, “sin intermediarios, ni agentes, ni funcionarios de la cultura”, según su web. Entre sus objetivos, destacan el apoyo a la dinamización sociocultural crítica y el fomento de la producción y exhibición de nuevas formas de espectáculo, sobre todo, aquellas a las que le resulta más difícil encontrar un circuito de exhibición, ya sea teatro, danza, cabaret, nuevo circo, blues o flamenco, entre otras disciplinas.

Proyecto Rede Nasa

A mediados de este año, la NASA apostó por la innovación en el modo de acercarse a su público e interactuar con éste. Para ello, puso en marcha un proyecto virtual denominado Rede Nasa, concebido como un espacio virtual de encuentro entre creadores y público, cuyo motor es la web redenasa.tv, creada por la empresa de diseño y posicionamiento web A Navalla Suiza.

Con la remodelación total de su web, la NASA cambió el concepto clásico de su antigua página de internet para dar paso a un canal de televisión, de creación audiovisual y de comunicación social. El objetivo es tejer, a través de las herramientas que proporciona redenasa.tv, una comunidad social artística en la que productores y espectadores rompen barreras a través de la interacción física, electrónica y audiovisual.

Redenasa.tv es mucho más que una red social propia, a pesar de que ofrece también los servicios comunes de hacer ‘amigos’, dejar comentarios, declarase fan de un personaje público o confirmar la asistencia a un determinado evento. A través de esta web, la Nasa se centra ahora en la publicación online de contenidos artísticos, algunos de su propio archivo –que cuenta con más de 600 horas de grabaciones- y otros creados por sus miembros específicamente para la web. ">También cobra una especial relevancia la participación de los usuarios-espectadores, a través del envío de sus documentos, videocreaciones u opiniones. De hecho, uno de los impulsores y gestores de la NASA, el actor Xesús Ron, señaló en una entrevista a El País que la intención es que redenasa.tv sea "un lugar de intercambio de referencias culturales” de la audiencia de la sala.

Esta nueva comunidad audiovisual apuesta por la ruptura virtual de la cuarta pared con la creación de un ‘teatro digital’, una red artística y un espacio de creación online de contenidos multidisciplinares. Entre los contenidos disponibles en redenasa.tv, se encuentran un formato de televisión creado por el grupo Chévere, entrevistas a los actores de los espectáculos ofrecidos, ensayos, piezas históricas de producciones exhibidas en la NASA desde su inauguración o intervenciones de algunos de los artistas más reconocidos en el ámbito cultural gallego.

Misión

La NASA busca con su proyecto Rede Nasa superar las barreras ligadas al teatro físico, como su duración, horario, aforo… Se trata de introducir el concepto de ‘teatro a la carta’, aunque siempre teniendo en cuenta los espectáculos que se ofrecen en la sala. Asimismo, otro de los objetivos fundamentales de este proyecto, es lograr que creadores y público interactúen, además de lograr la fidelización de los espectadores, la captación de otros nuevos, y la posibilidad de ofrecerles que opinen y participen más para crear un intercambio de impresiones.

Amenazas y oportunidades

Rede Nasa se trata de un proyecto creativo e innovador único en Galicia, pues la interactividad entre público y artistas a través de una red social propia es una idea original y, hasta ahora, sin precedentes.

El proyecto Rede Nasa tiene como amenazas las demás redes sociales imperantes en Internet, como Facebook, Twitter, Tuenti… La saturación de espacios que ofrecen este tipo de comunicación social puede dificultar la captación de nuevo público, aunque hay que tener en cuenta que el objetivo no es lograr captar usuarios de un modo masivo, sino aquellos susceptibles de acudir a los espectáculos de la NASA.

Por otra parte, el hecho de que la sala haya creado su propia red social, no implica que no se promocione o utilice las ya existentes, sino que combina redenasa.tv con Facebook y Twitter. De hecho, esto puede suponer una buena estrategia para llegar a gente joven o potenciales usuarios de la NASA.

A día de hoy, tras seis meses aproximadamente de su puesta en marcha, redenasa.tv cuenta con casi 800 personas inscritas. Por su parte, su perfil de Facebook ha llegado a su tope de amigos, 5.000, y en Twitter cuenta con 84 seguidores.

Con Redenasa.tv, por un lado, el espectador tiene la posibilidad de sentirse más ‘conectado’ a los espectáculos de la NASA y a su evolución, a través de la posibilidad de investigar en el archivo de la sala o de enviar sus videocreaciones y comentarios, mientras que para los artistas es un modo de promocionarse, de crear adeptos y de ganar espectadores y, por ende, la propia sala de espectáculos. Hay que destacar, además, que existe la posibilidad de unirse a la plataforma redenasa.tv como usuario ‘premium’, es decir, que a cambio de pagar determinada cantidad, es posible acceder a ventajas en la NASA, como descuentos en espectáculos o más posibilidades de interactuar en su red social.

Asimismo, a través de redenasa.tv, los gestores del espacio de creación y exhibición escénica pueden conocer cuáles son las preferencias de su público, qué espectáculos funcionan mejor o qué géneros están más demandados, entre otras posibilidades.

Debilidades y fortalezas

La principal debilidad de Rede Nasa reside en la dificultad de captar nuevos usuarios, ya que se trata de una plataforma sobre un espacio con un público muy fiel y con una línea muy definida, de modo que las personas que entran en la web redenasa.tv tienen altas probabilidades de ser antiguos internautas.

No obstante, se trata de una idea innovadora y única por el momento, que cuenta con una base de éxito, la sala NASA y sus espectáculos. Asimismo, a pesar de la dificultad que hay a priori para captar nuevo público, el hecho de presentarse como red social y de permitir interactuar con los artistas, puede ser un reclamo para curiosos e incluso para aficionados a las artes escénicas que nunca hayan asistido a ningún espectáculo de la NASA.

La diferenciación como clave

La diferenciación es un factor fundamental para el éxito de Rede Nasa, un proyecto que tiene como base otro anterior –la sala NASA- que cuenta ya con el respaldo de un amplio número de espectadores. Desde su creación, los espectáculos del grupo residente de la NASA, Chévere, y el resto de la programación de la sala, se identifican por sus dosis de crítica social siempre tratadas con humor.

Asimismo, la imagen de la NASA, que juega con símiles del ámbito marítimo (tripulación, programa de mareas, camarote, periscopio…) es otra de sus señas de identidad. El proyecto Rede Nasa mantiene y consolida esta marca a pesar de suponer un giro en la forma de relacionarse con el espectador, lo que es garantía de éxito en cuanto a que su público más fiel no se sentirá frente a un producto irreconocible, sino a una mejora o evolución.

El hecho de poder contemplar a los actores en los momentos previos de su aparición en escena, avances y promos de las obras programadas o la opinión de asistentes a los espectáculos sobre éstos, conforman sin duda una nueva forma de acercarse al público y darle la oportunidad de que forme parte del proceso escénico de una forma innovadora y poco común. Se trata de un proyecto que, en cierta medida, implica una ‘pequeña invasión’ del espacio de los artistas, pero también da la oportunidad de que uno se sienta un poco más parte del espectáculo.

Referencias en la prensa:

Inocuo Atelier: http://www.inocuoatelier.com/es/noticia/view/361

El País: http://www.elpais.com/articulo/Galicia/sala/Nasa/Santiago/abre/canal/televisivo/na/Rede/elpepiautgal/20100625elpgal_17/Tes

A Nosa Terra: http://www.anosaterra.org/nova/15-anos-de-cultura-galega-na-nova-redenasatv-.html